A MI MANERA. ISABEL PANTOJA

jueves, 23 de agosto de 2012

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La yema de huevo, ¿tan peligrosa como el tabaco?

En vez de limitar el consumo de huevos, los cardiólogos aconsejan dejar el tabaco

Tanto que, de acuerdo con un reciente estudio canadiense publicado en la revista Atherosclerosis, tiene casi los mismos efectos nocivos sobre los vasos sanguíneos que el humo del cigarrillo.
Podría incluso obstruir la arteria carótida que va al cerebro, lo que aumenta el riesgo de accidente cerebrovascular.
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Hasta ahora, muchos de los estudios que se han llevado a cabo en los últimos años han relativizado el impacto del colesterol en la dieta sobre el porcentaje en que se encuentra en la sangre (ya que el hígado produciría la mayor parte).
Pero este descubrimiento ha recrudecido el debate incorporando un argumento de peso: la yema es casi tan mala para las arterias como el tabaco.
En lugar de medir el colesterol en la sangre, el Dr. David Spence y su equipo de la Universidad de Western Ontario (Canadá) examinaron las consecuencias directas del exceso de grasa en el cuerpo, y la formación de placas de ateroma.
Estos 'trozos' de grasa y las células que obstruyen las arterias gradualmente pueden bloquear el tráfico sanguíneo y provocar un infarto de miocardio o un accidente cerebrovascular.
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Los investigadores midieron por ultrasonidos la formación de estas placas de grasa en la arteria carótida (que suministra sangre al cuello) en más de 1.200 pacientes canadienses, con una edad media de 61 años.
Además de su consumo semanal de yemas de huevo, los participantes también indicaron la cantidad de cigarrillos.
Los científicos observaron que la formación de estas placas se aceleró de manera significativa en sujetos de 40 años que consumían yemas de huevo de forma regular, especialmente entre aquellos que consumían más de tres veces por semana.
El Dr. Spence asegura que esto tiene sentido, ya que "una sola yema de huevo supera la ingesta diaria recomendada de colesterol".
De hecho, una yema supera los 200 miligramos al día recomendados para las personas con factores de riesgo de enfermedad cardiovascular.
Los autores del estudio advierten que el efecto de las yemas de huevo sobre la placa son independientes del sexo, los niveles de colesterol, la presión arterial, el tabaquismo, el peso y la diabetes de una persona.
No obstante, los expertos consideran que este hallazgo proviene de "un estudio observacional que solo puede sugerir relaciones potenciales, no determinar conclusiones causales reales".
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Además, en el estudio no se tuvo en cuenta el resto de alimentos que consumieron los participantes, y el colesterol se oculta en muchos alimentos, entre ellos la carne, el queso y las comidas preparadas con huevos, como los productos preparados.
Para evitar riesgos, la prevención de las enfermedades cardiovasculares (infarto de miocardio, ictus, bypass u otro procedimiento de revascularización coronaria) debe enfocarse hacia la promoción de hábitos de vida saludables.
Se recomienda tomar alimentos de todos los grupos alimentarios, con un énfasis en verduras, frutas, productos de grano integral y lácteos bajos en grasa o sin grasa, además de comer pescado por lo menos dos veces por semana.
Por último, la investigación sugiere que una dieta más basada en plantas podría mejorar los factores de riesgo de la enfermedad cardiovascular como el colesterol, la presión arterial y los triglicéridos.
Un buen truco es tomar sólo la clara del huevo con espinacas, cebollas o algún hongo (setas o champiñones). Se pueden añadir hierbas y un poquito de cúrcuma para que esté más sabroso.
¿Cuántos huevos tomas a la semana?
Fuente: HealthDay.

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Alejandro Sanz enamora al público en la clausura del Festival de Cap Roig

Alejandro Sanz ha arrancado la velada con «Mi Peter Punk» y «Lo que fui es lo que soy»


Alejandro Sanz enamora al público en la clausura del Festival de Cap Roig
efe
El cantante durante el concierto

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El Festival de Cap Roig ha tenido esta noche una clausura espectacular con el único concierto en Europa de Alejandro Sanz, en el que ha presentando por primera vez en directo el primer sencillo de su nuevo disco, "No me compares".
En la clausura de este festival de la Costa Brava gerundense, Alejandro Sanz ha ofrecido a los 2.100 espectadores que abarrotaban los Jardines Botánicos de Calella de Palafrugell -"un pedazo de paraíso", en palabras del propio cantante- un repertorio en vivo que ha reunido algunos de sus mayores éxitos.
Poco después de las diez de la noche ha salido al escenario el artista español, uno de los más reconocidos a escala internacional hoy en día.
Alejandro Sanz ha arrancado la velada con "Mi Peter Punk" y "Lo que fui es lo que soy" e inmediatamente después han sonado las primeras notas de "No me compares", el primer sencillo de su nuevo trabajo discográfico, "La música no se toca", que será lanzado el próximo otoño y que ha sido producido por el propio cantante junto con el reconocido productor y arreglista Julio Reyes Copello.
Su actuación ha seguido con éxitos de todos los tiempos, como "Desde cuándo", "Viviendo deprisa" o "Nuestro amor será leyenda", con la complicidad de un público entregado desde el primer minuto y al que al final del concierto Alejandro Sanz le ha agradecido su "calorcito".
En cantante, que ha explicado que esta noche estrenaban la mitad de la banda que le acompaña, y que tocaban juntos por primera vez, ha asegurado: "os prometo que va a ser como si hubiéramos tocado juntos toda la vida".
Una banda integrada mayoritariamente por mujeres, ya que además de las tres chicas del coro están Brittany Denaro, a la guitarra; Chris Hierro, a los teclados; y la canaria Brigitte Sosa al bajo. El cantante ha puesto otra vez en pie al público con "Lola Soledad", una canción que ha dedicado a "todas las mujeres valientes". Sanz ha vuelto a bromear sobre la manera de poner fin al concierto: "Me encanta cuando yo me despido, vosotros gritáis: !Noooo! Entonces yo vuelvo a entrar y sigo cantando...", ha explicado.
Las más de 2.000 personas que se han dado cita en este espectacular escenario en plena naturaleza que es Cap Roig han seguido coreando fielmente las canciones de Sanz, entre ellas "Cuando nadie me ve", "Yo hice llorar hasta a los ángeles", "Lola Soledad", o la indispensable "Corazón partío".
El artista ha seguido metiéndose a sus seguidores en el bolsillo con otros grandes éxitos como "La fuerza del corazón","Quisiera ser", "No es lo mismo" y "Looking for Paradise", canción con la que ha puesto punto final a su actuación momentáneamente.
Tras una insistente petición de sus fans, Sanz ha salido de nuevo al escenario y, ya en los bises, ha interpretado al piano "Lo ves" y "Tú no tienes la culpa". En los últimos bises ha hecho un remix de otras de sus grandes creaciones: "A la primera persona", "Mi soledad y yo", "Amiga mía" y "Si fuera ella", que ha sido la encargada de poner las últimas notas al concierto, que ha durado unos 100 minutos, y a esta edición del Festival.

Reunión de grandes artistas

El Festival de Cap Roig, que se ha celebrado del 14 de julio al 18 de agosto en los Jardines Botánicos de Cap Roig, en Calella de Palafrugell, ha reunido a grandes estrellas del panorama musical nacional e internacional que han ofrecido una treintena de conciertos.
Han pasado por este escenario grandes nombres de todos los géneros musicales: Ben Harper, Miguel Bosé, Simple Minds, Bunbury, Tony Bennett, Manolo García, George Benson, Joaquín Cortés, Kiri Te Kanawa, Chambao, Miguel Poveda, Madeleine Peyroux, Paul Anka, Els Amics de les Arts, Rosario, Sergio Dalma, Mishima, James Morrison, Hombres G, Milow y Russian Red.
Bob Dylan, uno de los artistas más influyentes de la historia del rock, fue el encargado de levantar el telón del concierto inaugural del festival para aumentar la leyenda de su "Never Ending Tour" y esta noche Alejandro Sanz ha puesto fin a 23 días de conciertos en los que han pasado por el Festival más de 41.000 personas.

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Lo que no sabías de Dirty Dancing

Esta semana celebramos el 25 aniversario del estreno de 'Dirty Dancing', el clásico romántico que enamoró a millones de jovencitas con su historia de la heroína fea que conquista al guaperas con caderas más flexibles que Ricky Martin.
La película llegó a los cines por primera vez el 21 de agosto de 1987 y desde entonces ya lleva dos décadas conquistando los ratings televisivos con sus reposiciones.
¡'Dirty Dancing' cumple su 25 aniversario!

Si bien todas - y admitámoslo, "todos" también - conocemos la historia, los personajes, las canciones y hasta los diálogos, hay mucho más detrás de la película. ¿Sabías que estuvo a punto de cancelarse? ¿Que el presupuesto no alcanzaba? ¿Que Swayze y Grey no podían ni verse? Pues aquí os traigo los cotilleos y detalles que ¡25 años después deberíais conocer!

- La guionista y productora de la cinta, Eleanor Bergstein, basó detalles de la historia en su propia niñez. Al igual que el personaje de Baby, también creció en Brooklyn, es hija de un doctor judío, tenía una hermana llamada Frances (el nombre real de Baby) y veraneaba con su familia en la misma zona en la que transcurre la película.

- Su primer trabajo como guionista fue con la comedia romántica de Michael Douglas, 'Ahora me toca a mí' (1980), en cuyo guión había añadido una escena de baile 'caliente'. Pero fue eliminada del metraje, algo que inspiró a Eleanor a escribir una historia centrada en estos pasos de baile.

- El papel de guaperas malote que interpretó Patrick Swayze está basado en un bailarín llamado Michael Terrace que Bergstein conocía de su peligroso barrio.


- A Jennifer Grey le resultó muy fácil hacerse con el papel de Baby. La actriz es hija de Joel Grey, el oscarizado actor y bailarín de 'Cabaret', y además de llevar el baile en sus genes, había asistido a clases desde pequeña. Grey tenía 26 años cuando protagonizó el filme (el primer papel protagonista de su carrera), aunque su personaje era una década menor.
La pelicula fue todo un éxito aunque ni siquiera los productores se lo esperaban

- En el guión original, el personaje de Johnny era de piel morena y aspecto mediterráneo, es decir que Patrick Swayze no fue la primera elección de los productores. Además, al igual que Grey, a sus 34 años el actor era diez años mayor que su personaje. Inicialmente el elegido fue Billy Zane (Cal en 'Titanic') pero en las pruebas de baile no tenía la misma química con Jennifer compartía con Patrick, por ello el equipo se decantó por cambiar el personaje de italiano a irlandés.

- El rodaje comenzó con una agenda muy ajustada que solo permitía dos semanas de ensayos y 44 días de rodaje. Debido a la música y al baile, los ensayos se convirtieron rápidamente en noches de disco improvisadas en donde el alcohol fluía con facilidad. Por ello, el director solicitó que nadie del equipo tuviera contacto físico durante los siguientes seis meses.

- Una vez comenzado el rodaje, las grabaciones se complicaron por el clima. Siendo el final del verano, las jornadas podían pasar de días tormentosos a muy calurosos que superaban los 41 grados en el exterior y 49 grados delante de las luces y cámaras. Hasta 10 personas llegaron a desmayarse en un día.

- Al director, Emile Ardolino, le gustaba pedir a los protagonistas que improvisaran, y con frecuencia dejaba las cámaras encendidas para captar sus reacciones. Una de las escenas más clásicas e improvisadas de la película es el momento en que Jennifer Grey está delante de Patrick Swayze, aprendiendo uno de los pasos de baile. En ella, debe colocar su brazo izquierdo sobre el cuello de su compañero, pero cada vez que lo hacía le entraba la risa. El director creyó que era uno de los momentos más honestos del filme, y decidió dejarlo a pesar de la cara de incordio de Swayze.

La escena de risa improvisada que consiguió colarse en el metraje

- El actor que da vida al padre de Baby, Jerry Orbach, era conocido por entonces como actor y cantante de Broadway. Aunque no realiza ningún paso de baile en toda la película, 'Dirty Dancing' le abrió las puertas a la interpretación apareciendo durante doce años en la serie 'Law & Order'.

- Por otro lado la actriz Kelly Bishop se hizo con el papel de la Sra. Houseman por puro accidente. Había sido contratada para dar vida a la devorahombres Vivian (la mujer casada que quiere llevarse a Johnny a la cama), pero cuando la actriz elegida para el personaje enfermó, Kelly ocupó su lugar y la asistente de coreógrafo, Miranda Garrison, se convirtió en Vivian.

- El director de la saga 'High School Musical' y 'This it it', Kenny Ortega, comenzó su carrera en el cine como coreógrafo de las secuencias de baile de 'Dirty Dancing'.

- El hotel Mountain Lake de Virginia, donde se rodó la película continua ofreciendo a sus huéspedes fines de semana temáticos 'a lo Dirty Dancing'.

- Las primeras proyecciones de prueba fueron tan desastrosas que los productores llegaron a considerar estrenarla directamente en vídeo. Aaron Russo llegó a decir: "Quememos los negativos y cobremos el seguro".
los ensayos se convirtieron rápidamente en noches de disco improvisadas

- Debido al personaje juvenil y cercano de Baby, la empresa de cosmética Clearasil llegó a considerar convertirse en sponsor del proyecto ya que veían una buena publicidad para vender sus productos a jovencitas con acné. Pero querían que se eliminaran las referencias al aborto, algo a lo que la guionista se negó.

- La película costó 4 millones de euros y recaudó una taquilla inesperada de 136 millones.

- Patrick Swayze y Jennifer Grey se conocieron años antes en el rodaje de 'Amanecer rojo', donde comenzaron con el pie izquierdo discutiendo continuamente. Ambos querían protagonizar 'Dirty Dancing' e hicieron el esfuerzo de "llevarse bien" durante las pruebas de cámara, pero cuando comenzó el rodaje las discusiones eran constantes. Esto hizo que el director los obligara a ver la escena inicial que habían rodado juntos, donde supuestamente demostraban una increíble química, consiguiendo que pudieran continuar las grabaciones con mejor humor.

- 'Dirty Dancing' ganó el Oscar a Mejor Canción Original por 'I've had the time of my life' y su banda sonora vendió más de 39 millones de copias.
La inolvidable escena final

- La actriz que dio vida a la hermana de Baby, Jane Brucker, no tuvo suerte tras el éxito del filme y solo hizo un par de películas más. En varias ocasiones culpó públicamente al filme por haberla encasillado con un personaje tonto.


- La cinta tuvo su adaptación al teatro musical en Londres y Sídney, además de una secuela. En 2012 se anunció que Kenny Ortega, el coreógrafo de la película original, trabajaba en un remake aunque el proyecto está congelado por el momento.

¿Conocíais todos estos detalles? Ahora, ¿no os apetece volver a verla?

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Paulo Coelho pide más flexibilidad para publicar libros gratis en internet

El escritor participó en la Campus Party que se celebra en Berlín tras once años en Valencia


Paulo Coelho pide más flexibilidad para publicar libros gratis en internet
EFE
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El escritor brasileño Paulo Coelho pidió hoy al mundo editorial mayor flexibilidad frente a los contenidos gratis en internet y despedirse de una concepción rígida de los derechos de autor que es imposible de mantener.
"Están tratando de detener algo que no se puede detener", dijo Coelho durante el Campus Party, un festival de tecnología en Berlín al que asisten cerca de 10.000 personas.
"No debemos controlar contenidos sino compartirlos. Entre más contenidos compartáis, más recibiréis", dijo el escritor brasileño. Coelho empezó en 2005 a ofrecer gratis algunos de sus libros en una página web propia y, según él, eso ha ayudado a la difusión de su obra y a las ventas de las ediciones impresas.
El escritor considera que actualmente, al igual que ocurrió en los tiempos de la invención de la imprenta por parte de Johannes Gutenberg, hay un temor ante la pérdida del control del conocimiento.
Ahora, al igual que en tiempos de Gutenberg, está cambiando la forma en que se difunde el conocimiento y la técnica cambia también la escritura.

martes, 14 de agosto de 2012

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Pablo Escobar tiene un álbum para niños en Medellín


Álbum de cromos de Pablo Escobar

El actor que encarna al exjefe del cartel de Medellín en la serie Escobar, el patrón del mal. Fotos del álbum: cortesía Revista Semana

De niño llenó varios álbumes de cromos, figuritas o de caramelos, como le dicen en Medellín (Colombia). Mazinger Z, Plaza Sésamo o La Abeja Maya formaban parte de su imaginario. Ahora se coló otro personaje, Pablo Escobar. Su hija de 10 años le pidió que le compre un polémico álbum que circula en los barrios populares sobre el reconocido narcotraficante.
"Me dijo que lo vio en un anuncio pegado en la pared cuando volvía del colegio. Yo llenaba álbumes de mundiales de fútbol, quería conocer los jugadores, los estadios. No quiero saber cómo es del Escobar, me van a explicar quiénes eran sus sicarios, los lugares donde cometió atentados", le comentó a BBC Mundo Bernardo Cifuentes del barrio Aranjuez, ubicado en el nororiente de Medellín, una de las zonas más estigmatizadas por la violencia del narcotráfico.
El álbum, de impresión modesta, reproduce imágenes de los actores de la serie con fotografías de Escobar. En la portada sale la foto del capo cuando comenzaba a meterse a la política mientras que en el interior se ven los hipopótamos que se fugaron de la hacienda Nápoles después de que el capo muriera.
Álbum de cromos de Pablo Escobar
Al final del álbum de cromos hay una lista de premios para quien vaya llenando las páginas.

Así mismo el cuadernillo mezcla imágenes de la serie de televisión en la que se ve al actor que encarna a Escobar vestido de Pancho Villa y abrazando a su amante Angie Cepeda, la actriz que interpreta a la diva Virginia Vallejo.
Al final, como en otros álbumes del estilo, hay una tabla de premios para quien vaya llenando las páginas con las láminas: un mp3, un ipod, una llave usb, un balón de fútbol…

Un referente de éxito

"He visto la serie con mi hija, no puedes estar ajeno a esa realidad. Ella no sabía quién era Pablo Escobar ni qué había hecho. Se lo expliqué, pero lo del álbum me parece demasiado. Es como si fuera el Hombre Araña, como un superhéroe reencarnado", detalló Cifuentes quien en su adolescencia vivió el surgimiento de muchas bandas de sicarios (jóvenes que trabajaban para Escobar) en su sector.
"En esa época lo veían como alguien que sabía hacer muy bien las cosas, que conseguía plata (dinero), mujeres, cosas. Esa realidad no ha cambiado mucho. Se piensa que un universitario no va a conseguir las cosas que consiguió Pablo Escobar. Sigue siendo un referente muy fuerte y más ahora con tantos casos de corrupción en la política", comentó el hombre que trabaja en la construcción de escuelas públicas en sectores marginados.
"Para mucha gente era su héroe. De hecho hay gente que todavía cree que no murió, que él mismo contrató a un doble y que ahora está disfrutando de su fortuna. El álbum es otro capítulo de ese mito"
Andrés Villamil, sociólogo

En el caso de Jairo, un periodista retirado que prefirió omitir su apellido, tiene mucha curiosidad por tener el álbum entre sus manos como un fetiche de una época en la que desde los medios en los que trabajó cubrió todo tipo de crímenes y atentados atribuidos a Escobar.
"Seguro es un álbum pirata, de barrio, pero refleja mucho el sentimiento contradictorio que hay sobre Pablo Escobar. Yo lo conocí personalmente. Recuerdo que nos invitaba a sus reuniones y sus fiestas. Era muy amplio (generoso) y amable como en la telenovela. Luego nos sorprendió saber que estaba detrás de muchas muertes y carros bomba", detalla a BBC Mundo.
Durante aquellos años Pablo Escobar puse en jaque al estado colombiano y a las autoridades estadounidenses. Como jefe del cartel de Medellín amasó una de las fortunas más grandes del mundo.

Un tema tabú en Colombia

Escobar, el patrón del mal
La serie sobre Escobar ha levantado el velo sobre un tema tabú en Colombia

La polémica superproducción sobre Escobar (1.300 y más de 450 locaciones) ha levantado el velo de un tema que durante años ha sido visto como un tabú en Colombia.
Carlos Moreno, director del programa, le dijo al corresponsal de BBC Mundo en Colombia, Arturo Wallace, que "uno de los principales propósitos de la nueva serie de televisión es ayudarle a las nuevas generaciones a entender mejor al personaje, sus motivaciones y las consecuencias de sus actos".
El sociólogo colombiano Andrés Villamil reconoce que la serie ha revivido la figura de Escobar, pero subraya que desde su muerte en 1993 en un tejado de Medellín acosado por la policía, se han tejido todo tipo de historias y leyendas.
"Existió un libro sobre el cártel de Medellín, una especie de enciclopedia, con fotografías y comics financiada por sus propios miembros que fue decomisada durante esos años", recuerda a BBC Mundo.

Hay gente que cree que no murió

Pablo Escobar
Pablo Escobar murió en Medellín en 1993 después de un tiroteo con el bloque de búsqueda de la policía.

"Para mucha gente era su héroe. De hecho hay gente que todavía cree que no murió, que él mismo contrató a un doble y que ahora está disfrutando de su fortuna. El álbum es otro capítulo de ese mito", agrega Villamil.
Cifuentes, el padre de familia preocupado porque ese cuadernillo termine en manos de su hija, sabe que tarde o temprano lo conseguirá.
"Tendré que utilizarlo como herramienta para explicarle lo que hizo Escobar. Una vez viendo la telenovela con mi hija me preguntó quién era Popeye, no el jefe de sicarios de Pablo Escobar sino el personaje de caricaturas. Yo crecí con Popeye y sus espinacas pero ella no lo conocía. No supe qué decirle", comenta el hombre.

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Marihuana, un negocio millonario ahora prohibido en Los Ángeles


Toby Stein trabaja detrás del mostrador despachando mercancía de a gramos en bolsitas plásticas: más de 20 variedades de marihuana, organizadas en frascos, que entrega a los 200 pacientes diarios que llegan con una prescripción médica.

Su dispensario, Silverlake Caregivers, es uno de los más antiguos de la ciudad de Los Ángeles. Pero en menos de 30 días deberá cerrar sus puertas, después de que el concejo de la ciudad aprobara una ordenanza que prohíbe el funcionamiento de locales a la calle para la distribución de cannabis.
"Me sorprendió porque no estamos haciendo nada ilegal. Es mi medio de subsistencia, aunque esta es una empresa sin fines de lucro yo vivo de producir marihuana y cobro un beneficio sobre mis costos", le dice Stein a BBC Mundo.

En el estado de California, el uso de marihuana con fines medicinales fue regulado en 1996, mediante la Proposición 215, para permitir el cultivo y la posesión a quienes cuenten con una recomendación médica, aun cuando la droga está prohibida por las leyes federales.
"La prohibición me soprendió porque no estamos haciendo nada ilegal. El dispensario es mi medio de subsistencia, aunque esta es una empresa sin fines de lucro yo vivo de producir marihuana y cobro un beneficio sobre mis costos"
Toby Stein, dueño del dispensario Silverlake Caregivers
Pero las autoridades angelinas consideran que el sector se ha salido de control: con 762 dispensarios registrados y más de 300 que operan sin permiso, el jefe de policía, Charles Beck, apoyó el proyecto que dispone su cierre inmediato argumentando que se han convertido en puntos críticos para el crimen y en "negocios que venden droga con fines recreativos".
Lo que está detrás es un negocio millonario: aunque no existen cifras exactas sobre sus ingresos, los dispensarios de Los Ángeles hoy duplican en número a los cafés de la cadena Starbucks.
"Si a nivel nacional se calcula que el negocio de la marihuana mueve unos US$ 15 mil millones al año, la proyección para California sería de US$1,5 millones. Pero es mucho más, porque éste es uno de los estados donde está autorizado su uso medicinal y por tanto hay más negocio que en otros, con lo cual estimamos entre US$3 y US$5 mil millones", le detalla a BBC Mundo Mark Kleiman, economista de la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA) y autor de varios libros sobre regulación de drogas.

Contradicción

Es precisamente el dinero una de las razones por las que los dispensarios están bajo escrutinio.
Estos locales surgieron como cooperativas sin fines de lucro, encargadas de cultivar y repartir la hierba entre sus miembros registrados, para lo cual es necesario contar con una orden médica auténtica, verificada por el mismo local.
Pero desde el gobierno municipal se los acusa de perseguir el rédito, tergiversando el espíritu de la "Ley para el Uso Compasivo", como conoce a la norma de 1996.
Dispensario de marihuana en Los Ángeles
El dinero es una de las razones por las que los dispensarios están bajo escrutinio.
"Sentimos frustración por la inhabilidad que hemos tenido en manejar las consecuencias que genera un dispensario. El acceso a la marihuana medicinal se volvió tan sencillo que no hay protección para los vecinos. Y la razón por la que vimos crecer los dispensarios es porque hay mucho dinero en juego: algunos abren un par de meses, hacen dinero y cierran", afirma José Huizar, miembro del concejo de Los Ángeles y autor de la ordenanza que hará cerrar a los dispensarios.
Entre las disposiciones incumplidas, se cuenta la de no abrir un local a menos de 300 metros de escuelas y parques, así como la de evitar que varios se concentren en un mismo vecindario.
Eagle Rock es un ejemplo: este barrio del norte de la ciudad tiene unos 15 dispensarios en un radio de 1,5 kilómetros, que proliferaron cuando los gobiernos locales vecinos mandaron cerrar los suyos. Varios ofrecen "happy hour” con precios reducidos y fracciones de gramo de regalo para nuevos clientes.
Los dueños de los locales se defienden.
"La Proposición 215 establece que podemos recibir dinero razonable por nuestro tiempo, esfuerzo y costos de producción. Alquilamos lugares, compramos luces, construimos cuartos… Es una empresa compleja y costosa", asegura a BBC Mundo Diana, administradora de Downtown Collective.

Cultivo propio

En los dispensarios revelan que, a partir de su labor, la producción de marihuana en el estado ha aumentado, lo que trajo aparejado una caída en los precios.
"En los últimos años, pasó de costar US$3.000 la libra (0,45 kg) a costar la mitad. Pero eso es porque hemos bajado los costos, por eso es absurdo pensar que los pacientes podrán hacer crecer la propia, con la inversión que esto implica", indica Stein, que ofrece variedades desde US$7 el gramo.
Dispensario de marihuana en Los Ángeles
En las clínicas dicen que, por su labor, el precio de la marihuana ha caído.
La nueva ordenanza contra los dispensarios autoriza a cultivar individualmente o en grupos de hasta tres personas, y contempla que un cuidador o asistente terapéutico lo haga por aquellos que están imposibilitados.
"Pero la gente no sabe cómo cultivarla, o no tiene el tiempo o el dinero. Muchos están, además, en muy malas condiciones físicas para hacerlo", reclama Marina Turovsky, una abogada que representa a pacientes y dispensarios.
Según estima, el costo de armar un cuarto de cultivo, con los controles de luz y temperatura necesarios, supera los US$5.000.
El concejal Huizar reconoce que no es la mejor solución sino "la que es viable" hasta tanto la Corte Suprema californiana se pronuncie sobre qué atribuciones caben a los gobiernos locales en la regulación de la marihuana medicinal.
"La ley estatal dice que uno tiene que cultivar la propia y a eso estamos volviendo. El modelo de los dispensarios no fue anticipado por la ley, en ninguna parte dice que va a haber negocios que vendan a la calle. Eso es comercio y es ilegal", le dice el político a BBC Mundo.

¿Medicinal o recreativa?

En lo que están de acuerdo tanto los impulsores de la medida como los que protestan por la clausura es que el perfil de quienes se proveen de marihuana en los dispensarios está lejos del que contempla la ley.
Según los estudios de Kleiman, al menos la mitad de ellos presenta características propias de usuarios recreacionales, aun cuando tengan la credencial de pacientes que se consigue por unos US$40 en consultorios de Los Ángeles.
"Menos de 5% de los casos tiene VIH, cáncer, esclerosis múltiple o glaucoma, que son las cuatro condiciones que fueron utilizadas para lograr apoyo político para la norma. Pero a la vez la ley autoriza a los médicos a prescribir marihuana en todos los casos que consideren pertinentes, así que no hay nada ilegal en eso", detalla el académico.
"La ley estatal dice que uno tiene que cultivar la propia marihuana y a eso estamos volviendo. El modelo de los dispensarios no fue anticipado por la ley, en ninguna parte dice que va a haber negocios que vendan a la calle. Eso es comercio y es ilegal"
José Huizar, concejal de Los Ángeles
Como alternativa, el concejo podría considerar una segunda ordenanza para permitir que los dispensarios más antiguos sigan operando: son 182 que abrieron antes de 2005, cuando se dictó una moratoria sobre nuevos locales. Pero la medida aún no ha sido redactada y su votación podría demorar meses.
¿Qué ocurrirá entonces? Hay quienes señalan que el cierre de dispensarios hará florecer el mercado negro que ya existe.
"Va a volver a la calle, al dealer de la esquina. Creo que a la policía le conviene porque le permitirá recuperar parte de sus presupuestos para tratar estos delitos de tráfico", reclama Charlotte Booker, del dispensario Green Earth Center.
Otros ven una oportunidad para promover la siempre polémica legalización.
"California ganaría dinero si la regulara, la convirtiera en un producto de venta como cualquier otro y le aplicara impuestos", sugiere la abogada Turovsky.
Desde el gobierno, esperan el pronunciamiento de la Corte Suprema californiana que definirá las atribuciones de los concejos municipales en la materia. Aunque para ello todavía no hay fecha cierta y los dispensarios, tal como están las cosas, deberán bajar la persiana antes del 3 de septiembre.

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Antonio López anima a los artistas a no temer y a manifestarse «como son»

El artista está dirigiendo un taller de pintura del 6 al 10 de este mes en la Universidad de Navarra

ABC
Antonio López anima a los artistas a no temer y a manifestarse «como son»
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El pintor Antonio López ha animado a los artistas para que no tengan miedo y se manifiesten «como son», pues entiende que ese es el auténtico «secreto» de los creativos. «Todos tenemos algo que contar», tanto los artistas como quienes no se dedican a ello.
El artista manchego dirige esta semana en Pamplona, la séptima edición del Taller de Pintura: «Maestros de la Figuración 2012», que imparte junto al artista zamorano José María Mezquita en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Navarra.
Es la séptima vez que imparte este taller y las recomedaciones de este creador han sido que los que se dedican al arte «se paren, mediten, vean y descansen de una forma de pintar que a veces no les corresponde», algo que considera bastante «necesario» para encontrar el «camino propio».
Esta iniciativa favorece tanto a los asistentes de este taller al artista. «Este encuentro es como una fiesta, algo maravilloso y que me ayuda a vivir», afirmó López. Y es que le gusta mucho «Charlar, reunirse y estar juntos», mientras pintan unidos por un único elemento, que es «el amor a este trabajo».

Nivel de los alumnos

«Hay alumnos de todas las edades y condiciones», admite Antonio López, quien además explica que todos los años encuentra «pinceladas geniales». «Ellos no lo saben pero sí aparece el destello de algo verdadero, de muchísimo valor».
De todos los consejos que ha dado destaca el de «manifestarnos como somos», a veces es una labor difícil pero «es el secreto de todo, y ese espacio hay que reforzarlo». «Hay que observar bien ls cosas y no hacerlas de manera rutinaria» y añade que, «es bueno parar, meditar y descansar» para que el artista vea si su forma de pintar es la mejor o si no es exactamente la que les corresponde. «Es una forma de purificación, que viene a través de la contemplación del mundo real de una manera lo más limpia posible», dice.
Las clases de Pamplona «tienen una riqueza especial» porque puede asistir todo el mundo que quiera, con edades y experiencias distintas y Antonio López intenta ayudar a descubrir la posibilidad de poder hacer un trabajo que pueda tener sentido y «ayudarles a que cada uno lo descubra» porque, «todos tenemos algo que contar».

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La venta de e-books supera por primera vez a la de libros impresos en Reino Unido

Según datos de Amazon, se distribuyen 100 ejemplares de papel por cada 114 libros electrónicos


La venta de e-books supera por primera vez a la de libros impresos en Reino Unido
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Las ventas de libros electrónicos han superado las de imprenta por primera vez en el Reino Unido. Según Amazon, cada 100 ventas de libros de papel hay 114 de sus primos electrónicos bajados por Kindle. ¿Comienzo del fin del libro tal como lo conocemos?
Este debate de aristas siempre un poco apocalípticas se abre cada vez que los libros electrónicos dan un salto en su popularidad. Vale entonces una aclaración. El dato se limita a Amazon: no abarca la venta de libros a nivel nacional. Pero la aclaración tiene un contrargumento. Amazon es el más importante vendedor de libros del Reino Unido (uno de cada cuatro ejemplares) y ofrece libros en ambos formatos. Es decir, sus ventas reflejan tendencias.
Amazon defiende las ventas de libros electrónicos señalando que han aumentado el número de lectores. Según sus datos, los lectores de libros electrónicos compran cuatro veces más libros que antes de poseer el kindle, pero sin por ello disminuir su consumo de libros de imprenta. «Como resultado del éxito de Kindle estamos vendiendo más libros que nunca», señaló Jorrit Van der Meulen, vice presidente de Kindle Unión Europea (UE).
El cierre de dos tradicionales cadenas de librerías como Borders y Ottakar, que no pudieron competir con el gigante americano, y la agresiva propaganda de Amazon, pintan un panorama distinto. Con un aire irreverente que apuntaba al mercado juvenil, Amazon ha instado a sus clientes a una soterrada guerra contra las librerías. «Miren los libros en Waterstone, pónganlos otra vez en su lugar –ya usados y manchados con sus dedos– y cómprenlos en Amazon. ¿Por qué pagar más?»
Los críticos señalan que el éxito de Amazon no se debe en realidad a las innovaciones tecnológicas y las leyes de la oferta y la demanda. Una investigación publicada este año por el «The Guardian» mostraba que, gracias a complejas técnicas de elisión y evasión impositiva, Amazon no había pagado un centavo de impuestos de sus más de tres mil millones de libras (3600 millones de euros) de ventas en el Reino Unido.
Amazon indicó que no discutía sus asuntos impositivos, pero aclaró que pagaban impuestos a nivel europeo. «Amazon Unión Europea sirve a decenas de millones de clientes en Europa despachando productos a los 27 países de la UE. Tenemos una sede central europea en Luxemburgo que está a cargo de esta operación», señaló Amazon en un comunicado. Según la red Tax Justice Network, una ONG internacional que busca la justicia fiscal, Luxemburgo es uno de los más importantes paraísos fiscales del mundo.

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Vuelven las Spice Girls

Tras cuatro años, el grupo de pop británico más famoso de los 90, reapareció en la ceremonia de clausura de Londres 2012


Vuelven las Spice Girls
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La ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos ha logrado que los allí presentes se trasladaran por unos minutos a los años 90, década en la que las «chicas picantes» vendieron más de 75 millones de discos en todo el mundo. Sobre unos taxis londinenses negros, Victoria Beckham, Mel B, Emma Bunton, Melanie C y Geri Halliwell hacían su aparición.

Dieciséis años hace ya desde que las Spice Girls sacaran su primer álbum, «Spice», que rápido las alzó hasta el número uno de las listas musicales de todo el mundo. Londres ha podido revivir con ellas el single que las catapultó a lo más alto, «Wannabe», y Twitter era el primer testigo del reencuentro gracias a Victoria Beckham, que ha concedido a sus seguidores las primeras fotos del grupo en la Villa Olímpica.
 
Las Spice no se reunían desde 2008, cuando decidieron emprender una nueva gira juntas. Aunque en un principio eran 11 los conciertos previstos, 47 fueron los lugares que finalmente visitaron, viajando en un Boeing 757 al que bautizaron como «Spice One» y que constaba de una sala de maquillaje, un comedor, un área de descanso y un business center. Con esta gira lograron batir el récord mundial vendiendo 23 mil entradas en tan solo 38 segundos. Toronto fue el lugar elegido para decir adiós al mítico grupo, aunque en 2012 confesaron sus ganas de cantar juntas de nuevo. 

Anoche el quinteto, a pesar del paso de los años, demostró que sigue con la misma energía que caracterizaba el grito de «girl power» que tan popular se hizo en sus comienzos.

lunes, 13 de agosto de 2012

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Las rubias musas de Alfred Hitchcock

Recordamos al mago del suspense a través de sus actrices protagonistas en el aniversario de su nacimiento


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Las rubias musas de Alfred Hitchcock
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Alfred Hitchcock
Alfred Hitchcock (13 de agosto de 1899 - 29 de abril de 1980) es conocido por ser el mejor director de suspense, y, entre otras cosas, por firmar sus obras con cameos. De esta forma, el público recordaba que estaba viendo una película de Hitchcock porque: «Los actores aparecen y desaparecen, pero el nombre de los directores debería permanecer claramente en la mente del público», decía el director.
Hitchock tenía fama de prepotente y misógino. Le encantaba ser adorado, y ser el centro de atención en todas las conversaciones. En cuanto a las mujeres, sentía predilección por las «nórdicas» –como él las llamaba– porque las consideraba misteriosas y frívolas; eran más fáciles de fotografiar en blanco y negro y de resaltar su elegancia y frialdad. Hitchcock tenía muy claro que sus protagonistas serían rubias, y sino se teñirían, como lo tuvieron que hacer Madeleine Carroll, Joan Fontaine o Ingrid Bergman.
Y, sobre todo, tenía que sentir que podía moldear a su antojo a su musa: «Debo tener en cuenta si es la clase de chica a la que puedo dar forma como la heroína de mi imaginación. Debe tener verdadera belleza y juventud», expresó Alfred Hitchcock.
Recordamos a Alfred Hitchcock en el 113º aniversario de su nacimiento. Todas las declaraciones que se recogen en este artículo están sacadas del libro «Las damas de Hitchcock» del biógrafo norteamericano Donald Spoto (2008). [Pincha aquí para ver la fotogalería de las rubias musas de Hitchcock]

«Rebeca» (1940). Joan Fontaine

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Joan Fontaine
El reparto para encarnar a «Rebeca» no fue nada fácil. Vivian Leight no daba a cámara para el papel. Por tanto se lo disputaron entre tres actrices: Margaret Sullavan, Anne Baxter y Joan Fontaine. Esta última, la menos conocida y con menos experiencia, lo consiguió por ser «demasiado tímida y remilgada hasta extremos insoportables»; de esta manera la definieron Alma Reville (asistente de dirección y esposa de Hitchcock) y el guionista Joan Harrison.
Fontaine escribió en su autobiografía sobre Hitchcock: «Nos caímos bien, y me dí cuenta de que estaba de mi parte. Tenía una extraña manera de comportarse, como bien saben los actores que han trabajado con él. Su lema es “divide y vencerás”. Deseaba total lealtad, pero solo a su persona.»
El director quiso que durante el rodaje Fontaine no se confiase, y que siempre mostrase esa inseguridad y timidez que tan bien iban a su papel: «Hitchcock intentaba dividirnos. Quería ejercer un control absoluto sobre mí y parecía disfrutar con el hecho de que los actores de la película no se cayeran bien entre ellos al final del rodaje. Eso ayudó a mi interpretación, ya que se suponía que mi personaje estaba aterrorizada por todo el mundo, y aportó mucha tensión a mis escenas. Aquello le permitía ejercer el mando, y formaba parte de la confusión que buscaba. Para su satisfacción me mantuvo en la cuerda floja; pero no me dio lo que yo más necesitaba, que era confianza.»
La actuación de Fontaine no fue muy buena. Hitchcock suprimió los planos de los «grandes momentos» para disimular que Joan no estaba a la altura. Además, tras terminar el rodaje, tuvieron que volver a grabar una docena de frases sueltas de la actriz para que su actuación se puliese en la sala de montaje.
Joan Fontaine también fue protagonista, junto a Cary Grant, de «Sospecha» (1941).

«Recuerda» (1945). Ingrid Bergman

Las rubias musas de Alfred Hitchcock
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Ingrid Bergman
«Recuerda» es la primera de las tres películas que Ingrid Bergman rodó con Alfred Hitchcock. Además, fue el principio de una amistad que duró hasta la muerte del director.
Cuando comenzó el rodaje de «Recuerda», Hitchcock se enamoró perdidamente de Bergman, fantaseaba con conseguirla y con estar con ella. Sin embargo, la actriz lo veía como una figura paterna. Y a pesar de su negativa y no correspondencia, se sintió orgullosa por conservar su amistad.
Ingrid Bergman, la protagonista de «Recuerda», no se creía su papel; no veía creíble la historia de amor entre ella (psiquiatra) y Gregory Peck (director de un centro psiquiátrico y enfermo mental). Pero entre David O. Selznick, productor del film, y Hitchcock la convencieron. Uno de los motivos que la impulsaron al papel fueron las imágenes oníricas que Salvador Dalí diseñó para esta película; la actriz se quedó fascinada.
En algunos momentos, Bergman se veía incapaz de transmitir lo que Hitchcock le pedía en algunas escenas. Después de la muerte del director, la actriz comentó que: «Se sentaba y me escuchaba con paciencia, y cuando yo ya creía que me lo había ganado, me decía muy dulcemente: “Ingrid, cariño, fíngelo”. Así era como Hitchcock conseguía lo que quería. Y, por lo general tenía razón».
Hitchcock modeló la actuación de Bergman con ternura. Sin embargo no ocurrió lo mismo con Gregory Peck que dijo que: «la verdad es que no me ayudó en casi nada y eso que tenía tan poca experiencia que estaba seguro de que necesitaba que me dirigieran mucho (...) Se limitaba a decirme que lo que tenía que hacer era vaciar mi rostro de toda expresión y que entonces me fotografiaría».
Bergman también fue protagonista junto con Cary Grant en «Encandenados» (1946), una de las obras maestras de Hitchcock, y «Atormentada» con Joseph Cotten (1949).
*De las seis nominaciones a los Oscar que consiguió «Recuerda» sólo logró el de la mejor banda sonora, que fue realizada por el húngaro Miklós Rózsa.

«La ventana indiscreta» (1954). Grace Kelly

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Grace Kelly
Hitchcock declaró sobre esta película que: «Se trató de una experiencia muy satisfactoria porque fue el epítome del enfoque subjetivo: un hombre mira, observa y reacciona ante una mujer incluso más que una situación».
El personaje que encarna James Stewart es exactamente el alter ego de Alfred Hitchcock, que observa a través del encuadre (la ventana), inventa historias, pone nombres a los personajes, y entre ellos destaca una rubia que es la protagonista de la trama.
Hitchcock encontró en Grace Kelly los ingredientes perfectos para moldear a su nueva heroína: frialdad y sensualidad. El director la descubrió por los papeles que hizo en «Solo ante el peligro» (Fred Zinnemann, 1952) y «Mogambo» (John Ford, 1953). Con 23 años, la actriz rodó la primera película con Hitchcock, «La ventana indiscreta». Después protagonizó dos películas más: «Crimen perfecto» (1954) y «Atrapa a un ladrón» (1955). Hitchcock se enamoró perdidamente de Grace Kelly. Un amor platónico, puro e inalcanzable que le hacía recordar a la fantasía vivida con Ingrid Bergman.
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Grace Kelly y Hitchcock
Hitchcock cuidó y mimó a su nueva musa a su antojo. Incluso, tuvo claro los trajes que luciría Kelly en la película antes de rodarla. Según Edith Head, diseñadora de vestuario, «en el guión definitivo aparecían detalladamente todos los vestidos. Había una razón detrás de cada color y de cada estilo que llevaba Grace, y Hitchcock estaba seguro de cada detalle. En una escena la veía de verde pálido; en otra, de chiflón blanco. La verdad era que estaba realizando su sueño en el estudio. Hitch quería que ella apareciera como una figura de porcelana de Dresde, como ligeramente intocable».
Antes de terminar el rodaje de «La ventana indiscreta» ya le pidió a Grace que fuese la protagonista de su próxima película, «Crimen perfecto».

«Falso culpable» (1956). Vera Miles

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Vera Miles
Vera Miles fue la protagonista de la película para televisión «Revenge» (1955) y, junto a Henry Fonda, «Falso culpable». Hitchcock expresó a un reportero: «Dirigiendo a Vera me siento igual que con Grace. Tiene estilo, inteligencia y cierta discreta cualidad».
De hecho, Hitchcock habló con Miles sobre futuros proyectos, e hizo numerosas pruebas de vestuario porque «Vera Miles es la joven que va a sustituir a Grace Kelly», confesó el director a un periodista de la revista «Cosmopolitan».
Sin embargo, Miles no percibió la ternura que el director sentía por ella, y consideraba que no gustaba al director porque durante el rodaje de «Falso culpable» declaró sobre Hitchcock: «Nunca me ha felicitado, tampoco me ha dicho siquiera por qué me ha contratado».
Además, Miles no percibió ser una de las damas de Hitchcock porque consideró que ella, por su forma de ser, no se correspondía a las anteriores grandes musas del director: «A lo largo de los años Hitchcock ha tenido un único tipo de mujer en sus películas: Madeleine Carroll, Ingrid Bergman, Grace Kelly. Yo intenté complacerlo, pero no pude porque era demasiado tozuda y él quería alguien a quien pudiera moldear».

«Vértigo» (1958). Kim Novak

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Kim Novak
Vera Miles iba a encarnar a la actriz protagonista de «Vértigo (De entre los muertos)», si no se hubiera quedado embarazada. Hitchcock ya tenía todo listo para que ella volviese a ser la protagonista, pero la noticia sobre el abandono del papel le cayó como un jarro de agua fría.
Kim Novak, con veinticuatro años, sustituyó a Vera Miles en esta película, pero el director reconoció que la contrató porque Miles se quedó embarazada. Vera sentenció sobre «Vértigo»: «Hitchcock tuvo la película que quería y yo a mi hijo». Aún así, la actriz conservó su contrato con el director y apareció en algunos episodios para la televisión, y como actriz secundaria en «Psicosis». Pero Hitchcock reconoció que perdió todo el interés en Vera y ya no pudo encontrar el ritmo con ella.
El director tuvo problemas con Kim Novak por el vestuario en «Vértigo», ya que la actriz se negó a lucir zapatos negros de tacón y un traje de chaqueta gris, porque prefería que fuese de color púrpura o blanco, pero al final accedió. Novak desconocía lo importante que era para Hitchcock todos estos detalles en la película, que estaban especificados en el guión.
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Kim Novak y James Stewart
Samuel Taylor, que escribió el guión definitivo de «Vértigo», dijo que: «Todos los que vieron a Hitchcock durante la realización de la película comprendieron, lo mismo que yo, que aquella era una historia que sentía en lo más profundo de su ser».
Este largometraje define la personalidad del director, y es el mejor ejemplo de la perfección de Alfred Hitchcock, tanto en moldear a una rubia, con su maquillaje, peinado y vestuario, como en la supervisión de las escenas, los ángulos y el montaje final.
Taylor recordó que: «Hitch sabía exactamente lo que quería hacer en esa película, exactamente lo que quería decir y cómo debía ser visto y oído. Fue su historia del primer fotograma al último, y cada instante de la película nos descubre cosas de él».
«Vértigo» se ha convertido en la «mejor película de la historia», desbancando a la obra maestra de Orson Welles, «Ciudadano Kane» –película que fue número uno durante cincuenta años–, según la última encuesta de la revista «Sight and Sound» del Festival de Cine Británico (BFI).

«Psicosis» (1960). Janet Leigh

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Janet Leight
Cuando Janet Leigh rodó «Psicosis» –la película que le dio la fama absoluta en su carrera cinematográfica– tenía 32 años, dos hijos y estaba casada con Tony Curtis. Cuando Hitchcock la conoció en una reunión de preproducción, la advirtió diciéndole: «Mi cámara es el amo absoluto, yo cuento mi historia a través de la lente, y por lo tanto necesito que usted se mueva cuando ella se mueve y que pare cuando ella para. Confío en que sabrá encontrar la motivación adecuada para seguir el movimiento. Estaré encantado de que trabajemos juntos, pero no tengo intención de cambiar un solo movimiento de cámara.»
La famosa escena de la ducha ha dado mucho de qué hablar, incluso hasta nuestros días. Janet Leigh siempre dejó claro que Hitchcock nunca le pidió que interpretase esta secuencia desnuda. Sin embargo, Jack Barron, el supervisor del maquillaje, recordó que el director le dijo que estuvo intentando convencerla para que la rodase desnuda. También le propuso rodar desnuda algunos planos para la versión europea de «Psicosis». Pero ella siempre se negó.
Hitchcock, por su enfermedad y al verse solo, comenzó a temer a la muerte, y este miedo lo reflejó en tres de sus películas: «Con la muerte en los talones»; «Psicosis» y «Vértigo».

«Los pájaros» (1963). Tippi Hedren

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Tippi Hedren
Alfred Hitchcock no sabía quién iba a ser –ante la multitud de candidatas– la protagonista de su próxima película, «Los pájaros», hasta que vio un anuncio de televisión sobre un líquido adelgazante presentado por una bella rubia. En ese momento, quería saber quién era esa mujer y conocerla. Se trató de Nathalie Hedren, más conocida como Tippi Hedren. Una guapa mujer de 34 años, divorciada, madre de una hija de cuatro años (Melanie Griffith), y sin ninguna experiencia en la interpretación. Hedren firmó un contrato por ocho años, sin saber quién iba a ser su productor. Cuando firmó le dijeron que iba a trabajar para Alfred Hitchcock.
El director declaró a una periodista: «Firmé un contrato con ella porque es una belleza clásica. Las películas ya no tienen bellezas así».
Tippi tuvo que luchar mucho para bordar el papel de protagonista. Nadie entendía que Hitchcock diese el protagonismo a una actriz principiante. La actriz recordó: «El estudio no me respaldó porque yo no tenía experiencia. La gente de la Universal dijo a Hitchcock: “Pero ¿qué estás haciendo?”, “¿Estás loco?”. Sin embargo, él les contestó que tenía plena confianza en mí y que me dejaría hacer el papel. Desde esa noche sentí una tremenda responsabilidad y una gran presión, y mi vida se centró en hacer todo lo posible por justificar su fe en mí. Todos los días, mientras preparábamos «Los pájaros», si Hitchcock creía que yo no hacía exactamente lo que él quería, se enfurruñaba y parecía ofendido y decepcionado».
Hitchcock se empezó a obsesionar por Tippi, volviéndose muy dominante, absorbente y posesivo. Tanto es así que incluso «no permitió a nadie que se acercara físicamente a ella durante la producción. “No toques a la chica después de que haya dicho ¡Corten!”, me dijo más de una vez, lo cual fue muy difícil porque teníamos un montón de escenas juntos», explicó Rod Taylor, protagonista junto con Tippi en «Los pájaros».
Su obsesión se volvió enfermiza; hasta el punto de que Hitchcock no permitía que Tippi se fuese a su casa en un taxi compartido con gente del rodaje. «Yo no debía ir en el mismo coche que ella, como si fuera a mancillar a su diosa. Hitchcock la rodeó con un muro e intentó aislarla de los demás para que pasara todo el tiempo con él», expresó Taylor.
Tanto era así que el director desaprobaba a la gente que aparecía en la vida de Tippi, prohibió que su hija Melanie fuese al estudio a verla, y cuando salía con sus amigos, la seguían y la espiaban para luego dar parte de lo que hacía a Hitchcock.
«Hitchcock estaba obsesionándose conmigo, y yo empecé a sentirme muy incómoda porque no tenía forma de controlarlo. Debía ir con mucho cuidado y ser muy prudente. Intentaba controlarlo todo, desde lo que me ponía, hasta lo que comía y bebía», recordó Tippi.
Hitchcock se aprovechó de la situación y abusó de su poder, ya que era una época en la que no existía la posibilidad de poner una denuncia por acoso. A Tippi sólo le quedaba aguantar: «Yo no podía renunciar y romper mi contrato: habría habido una demanda judicial; además, era una simple madre soltera con una hija de la que cuidar. Me habrían puesto en la lista negra y no habría vuelto a encontrar trabajo, de modo que tuve que aguantarme», confesó la actriz.
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Tippi en la escena final
Pero a Tippi aún le quedaba por grabar la escena final. Desde un principio le dijeron que los pájaros que iban a abordarla iban a ser mecánicos, pero cuando fue al estudio a rodar la última secuencia, vio que la habían traicionado, y que el director y el equipo habían tenido siempre otra intención. Tippi se sometió a que la tirasen sobre ella una multitud de aves de todo tipo, gaviotas, palomas, cuervos... que cubrieron de excremento todo el plato, incluso a la actriz.
Cuando casi habían terminado de grabar, la situación alcanzó un punto crítico. «Uno de los pájaros que estaba atado a mí, saltó de mi hombro a mi cara y me arañó el párpado inferior», expresó Tippi.
La actriz entró en shock clínico. Los médicos pidieron que guardase reposo absoluto durante mínimo dos semanas, pero Hitchcock protestó al doctor: «¡Pero no podemos seguir sin ella!, ¡la necesitamos para las últimas tomas!». El médico le contestó: «¿Está usted loco?, ¿acaso quiere matarla?».
Tippi grabó, en otoño de ese mismo año (1963), como actriz protagonista «Marnie la ladrona». Tuvo que aceptar el papel por defecto, después de que Hitchcock no logró convencer a Grace Kelly para regresar a la gran pantalla.

Hitchcock no logró ningún Oscar

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Alfred Hitchcock
Alfred Hitchcock sintió el desprecio de la industria cinematográfica estadounidense, ya que estuvo nominado en cinco ocasiones al Oscar al mejor director por «Rebeca», «Naúfragos», «Recuerda», «La ventana indiscreta» y «Psicosis», pero nunca obtuvo la estatuilla.
Hasta el final de su carrera cinematográfica no recibió ningún premio como director. En 1968 en la ceremonia de la Academia, recibió el Irving Thalberg, que premia a personajes significativos en el mundo de la producción cinematográfica. Cuando Hitchcock subió a recogerlo, cabizbajo y serio en todo momento, llegó al micrófono y, aunque algunos esperaban un ingenioso e irónico discurso, el director sólo se limitó a decir «gracias».
Alfred Hitchcock no recibió ni un Oscar, ni tan siquiera el honorífico. Aunque él mostraba indiferencia por ello, en privado y en lo más íntimo mostró su amargura. A sus pocos amigos se refería al premio como una «eterna dama de honor, jamás novia». Sin embargo, en público mostró su impasibilidad ante el Oscar cuando decía: «¿Para qué quiero otro sujetapuertas?».
En 1971 recibió un BAFTA como reconocimiento de la Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión a toda su carrera profesional como director; y en 1972, en honor a su trayectoria profesional, recibió el Premio Cecil B. DeMille en la gala de los Globos de Oro en Hollywood.
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Alfred Hitchcock
Alfred Hitchcock (13 de agosto de 1899 - 29 de abril de 1980) es conocido por ser el mejor director de suspense, y, entre otras cosas, por firmar sus obras con cameos. De esta forma, el público recordaba que estaba viendo una película de Hitchcock porque: «Los actores aparecen y desaparecen, pero el nombre de los directores debería permanecer claramente en la mente del público», decía el director.
Hitchock tenía fama de prepotente y misógino. Le encantaba ser adorado, y ser el centro de atención en todas las conversaciones. En cuanto a las mujeres, sentía predilección por las «nórdicas» –como él las llamaba– porque las consideraba misteriosas y frívolas; eran más fáciles de fotografiar en blanco y negro y de resaltar su elegancia y frialdad. Hitchcock tenía muy claro que sus protagonistas serían rubias, y sino se teñirían, como lo tuvieron que hacer Madeleine Carroll, Joan Fontaine o Ingrid Bergman.
Y, sobre todo, tenía que sentir que podía moldear a su antojo a su musa: «Debo tener en cuenta si es la clase de chica a la que puedo dar forma como la heroína de mi imaginación. Debe tener verdadera belleza y juventud», expresó Alfred Hitchcock.
Recordamos a Alfred Hitchcock en el 113º aniversario de su nacimiento. Todas las declaraciones que se recogen en este artículo están sacadas del libro «Las damas de Hitchcock» del biógrafo norteamericano Donald Spoto (2008). [Pincha aquí para ver la fotogalería de las rubias musas de Hitchcock]

«Rebeca» (1940). Joan Fontaine

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Joan Fontaine
El reparto para encarnar a «Rebeca» no fue nada fácil. Vivian Leight no daba a cámara para el papel. Por tanto se lo disputaron entre tres actrices: Margaret Sullavan, Anne Baxter y Joan Fontaine. Esta última, la menos conocida y con menos experiencia, lo consiguió por ser «demasiado tímida y remilgada hasta extremos insoportables»; de esta manera la definieron Alma Reville (asistente de dirección y esposa de Hitchcock) y el guionista Joan Harrison.
Fontaine escribió en su autobiografía sobre Hitchcock: «Nos caímos bien, y me dí cuenta de que estaba de mi parte. Tenía una extraña manera de comportarse, como bien saben los actores que han trabajado con él. Su lema es “divide y vencerás”. Deseaba total lealtad, pero solo a su persona.»
El director quiso que durante el rodaje Fontaine no se confiase, y que siempre mostrase esa inseguridad y timidez que tan bien iban a su papel: «Hitchcock intentaba dividirnos. Quería ejercer un control absoluto sobre mí y parecía disfrutar con el hecho de que los actores de la película no se cayeran bien entre ellos al final del rodaje. Eso ayudó a mi interpretación, ya que se suponía que mi personaje estaba aterrorizada por todo el mundo, y aportó mucha tensión a mis escenas. Aquello le permitía ejercer el mando, y formaba parte de la confusión que buscaba. Para su satisfacción me mantuvo en la cuerda floja; pero no me dio lo que yo más necesitaba, que era confianza.»
La actuación de Fontaine no fue muy buena. Hitchcock suprimió los planos de los «grandes momentos» para disimular que Joan no estaba a la altura. Además, tras terminar el rodaje, tuvieron que volver a grabar una docena de frases sueltas de la actriz para que su actuación se puliese en la sala de montaje.
Joan Fontaine también fue protagonista, junto a Cary Grant, de «Sospecha» (1941).

«Recuerda» (1945). Ingrid Bergman

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Ingrid Bergman
«Recuerda» es la primera de las tres películas que Ingrid Bergman rodó con Alfred Hitchcock. Además, fue el principio de una amistad que duró hasta la muerte del director.
Cuando comenzó el rodaje de «Recuerda», Hitchcock se enamoró perdidamente de Bergman, fantaseaba con conseguirla y con estar con ella. Sin embargo, la actriz lo veía como una figura paterna. Y a pesar de su negativa y no correspondencia, se sintió orgullosa por conservar su amistad.
Ingrid Bergman, la protagonista de «Recuerda», no se creía su papel; no veía creíble la historia de amor entre ella (psiquiatra) y Gregory Peck (director de un centro psiquiátrico y enfermo mental). Pero entre David O. Selznick, productor del film, y Hitchcock la convencieron. Uno de los motivos que la impulsaron al papel fueron las imágenes oníricas que Salvador Dalí diseñó para esta película; la actriz se quedó fascinada.
En algunos momentos, Bergman se veía incapaz de transmitir lo que Hitchcock le pedía en algunas escenas. Después de la muerte del director, la actriz comentó que: «Se sentaba y me escuchaba con paciencia, y cuando yo ya creía que me lo había ganado, me decía muy dulcemente: “Ingrid, cariño, fíngelo”. Así era como Hitchcock conseguía lo que quería. Y, por lo general tenía razón».
Hitchcock modeló la actuación de Bergman con ternura. Sin embargo no ocurrió lo mismo con Gregory Peck que dijo que: «la verdad es que no me ayudó en casi nada y eso que tenía tan poca experiencia que estaba seguro de que necesitaba que me dirigieran mucho (...) Se limitaba a decirme que lo que tenía que hacer era vaciar mi rostro de toda expresión y que entonces me fotografiaría».
Bergman también fue protagonista junto con Cary Grant en «Encandenados» (1946), una de las obras maestras de Hitchcock, y «Atormentada» con Joseph Cotten (1949).
*De las seis nominaciones a los Oscar que consiguió «Recuerda» sólo logró el de la mejor banda sonora, que fue realizada por el húngaro Miklós Rózsa.

«La ventana indiscreta» (1954). Grace Kelly

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Grace Kelly
Hitchcock declaró sobre esta película que: «Se trató de una experiencia muy satisfactoria porque fue el epítome del enfoque subjetivo: un hombre mira, observa y reacciona ante una mujer incluso más que una situación».
El personaje que encarna James Stewart es exactamente el alter ego de Alfred Hitchcock, que observa a través del encuadre (la ventana), inventa historias, pone nombres a los personajes, y entre ellos destaca una rubia que es la protagonista de la trama.
Hitchcock encontró en Grace Kelly los ingredientes perfectos para moldear a su nueva heroína: frialdad y sensualidad. El director la descubrió por los papeles que hizo en «Solo ante el peligro» (Fred Zinnemann, 1952) y «Mogambo» (John Ford, 1953). Con 23 años, la actriz rodó la primera película con Hitchcock, «La ventana indiscreta». Después protagonizó dos películas más: «Crimen perfecto» (1954) y «Atrapa a un ladrón» (1955). Hitchcock se enamoró perdidamente de Grace Kelly. Un amor platónico, puro e inalcanzable que le hacía recordar a la fantasía vivida con Ingrid Bergman.
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Grace Kelly y Hitchcock
Hitchcock cuidó y mimó a su nueva musa a su antojo. Incluso, tuvo claro los trajes que luciría Kelly en la película antes de rodarla. Según Edith Head, diseñadora de vestuario, «en el guión definitivo aparecían detalladamente todos los vestidos. Había una razón detrás de cada color y de cada estilo que llevaba Grace, y Hitchcock estaba seguro de cada detalle. En una escena la veía de verde pálido; en otra, de chiflón blanco. La verdad era que estaba realizando su sueño en el estudio. Hitch quería que ella apareciera como una figura de porcelana de Dresde, como ligeramente intocable».
Antes de terminar el rodaje de «La ventana indiscreta» ya le pidió a Grace que fuese la protagonista de su próxima película, «Crimen perfecto».

«Falso culpable» (1956). Vera Miles

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Vera Miles
Vera Miles fue la protagonista de la película para televisión «Revenge» (1955) y, junto a Henry Fonda, «Falso culpable». Hitchcock expresó a un reportero: «Dirigiendo a Vera me siento igual que con Grace. Tiene estilo, inteligencia y cierta discreta cualidad».
De hecho, Hitchcock habló con Miles sobre futuros proyectos, e hizo numerosas pruebas de vestuario porque «Vera Miles es la joven que va a sustituir a Grace Kelly», confesó el director a un periodista de la revista «Cosmopolitan».
Sin embargo, Miles no percibió la ternura que el director sentía por ella, y consideraba que no gustaba al director porque durante el rodaje de «Falso culpable» declaró sobre Hitchcock: «Nunca me ha felicitado, tampoco me ha dicho siquiera por qué me ha contratado».
Además, Miles no percibió ser una de las damas de Hitchcock porque consideró que ella, por su forma de ser, no se correspondía a las anteriores grandes musas del director: «A lo largo de los años Hitchcock ha tenido un único tipo de mujer en sus películas: Madeleine Carroll, Ingrid Bergman, Grace Kelly. Yo intenté complacerlo, pero no pude porque era demasiado tozuda y él quería alguien a quien pudiera moldear».

«Vértigo» (1958). Kim Novak

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Kim Novak
Vera Miles iba a encarnar a la actriz protagonista de «Vértigo (De entre los muertos)», si no se hubiera quedado embarazada. Hitchcock ya tenía todo listo para que ella volviese a ser la protagonista, pero la noticia sobre el abandono del papel le cayó como un jarro de agua fría.
Kim Novak, con veinticuatro años, sustituyó a Vera Miles en esta película, pero el director reconoció que la contrató porque Miles se quedó embarazada. Vera sentenció sobre «Vértigo»: «Hitchcock tuvo la película que quería y yo a mi hijo». Aún así, la actriz conservó su contrato con el director y apareció en algunos episodios para la televisión, y como actriz secundaria en «Psicosis». Pero Hitchcock reconoció que perdió todo el interés en Vera y ya no pudo encontrar el ritmo con ella.
El director tuvo problemas con Kim Novak por el vestuario en «Vértigo», ya que la actriz se negó a lucir zapatos negros de tacón y un traje de chaqueta gris, porque prefería que fuese de color púrpura o blanco, pero al final accedió. Novak desconocía lo importante que era para Hitchcock todos estos detalles en la película, que estaban especificados en el guión.
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Kim Novak y James Stewart
Samuel Taylor, que escribió el guión definitivo de «Vértigo», dijo que: «Todos los que vieron a Hitchcock durante la realización de la película comprendieron, lo mismo que yo, que aquella era una historia que sentía en lo más profundo de su ser».
Este largometraje define la personalidad del director, y es el mejor ejemplo de la perfección de Alfred Hitchcock, tanto en moldear a una rubia, con su maquillaje, peinado y vestuario, como en la supervisión de las escenas, los ángulos y el montaje final.
Taylor recordó que: «Hitch sabía exactamente lo que quería hacer en esa película, exactamente lo que quería decir y cómo debía ser visto y oído. Fue su historia del primer fotograma al último, y cada instante de la película nos descubre cosas de él».
«Vértigo» se ha convertido en la «mejor película de la historia», desbancando a la obra maestra de Orson Welles, «Ciudadano Kane» –película que fue número uno durante cincuenta años–, según la última encuesta de la revista «Sight and Sound» del Festival de Cine Británico (BFI).

«Psicosis» (1960). Janet Leigh

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Janet Leight
Cuando Janet Leigh rodó «Psicosis» –la película que le dio la fama absoluta en su carrera cinematográfica– tenía 32 años, dos hijos y estaba casada con Tony Curtis. Cuando Hitchcock la conoció en una reunión de preproducción, la advirtió diciéndole: «Mi cámara es el amo absoluto, yo cuento mi historia a través de la lente, y por lo tanto necesito que usted se mueva cuando ella se mueve y que pare cuando ella para. Confío en que sabrá encontrar la motivación adecuada para seguir el movimiento. Estaré encantado de que trabajemos juntos, pero no tengo intención de cambiar un solo movimiento de cámara.»
La famosa escena de la ducha ha dado mucho de qué hablar, incluso hasta nuestros días. Janet Leigh siempre dejó claro que Hitchcock nunca le pidió que interpretase esta secuencia desnuda. Sin embargo, Jack Barron, el supervisor del maquillaje, recordó que el director le dijo que estuvo intentando convencerla para que la rodase desnuda. También le propuso rodar desnuda algunos planos para la versión europea de «Psicosis». Pero ella siempre se negó.
Hitchcock, por su enfermedad y al verse solo, comenzó a temer a la muerte, y este miedo lo reflejó en tres de sus películas: «Con la muerte en los talones»; «Psicosis» y «Vértigo».

«Los pájaros» (1963). Tippi Hedren

Las rubias musas de Alfred Hitchcock
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Tippi Hedren
Alfred Hitchcock no sabía quién iba a ser –ante la multitud de candidatas– la protagonista de su próxima película, «Los pájaros», hasta que vio un anuncio de televisión sobre un líquido adelgazante presentado por una bella rubia. En ese momento, quería saber quién era esa mujer y conocerla. Se trató de Nathalie Hedren, más conocida como Tippi Hedren. Una guapa mujer de 34 años, divorciada, madre de una hija de cuatro años (Melanie Griffith), y sin ninguna experiencia en la interpretación. Hedren firmó un contrato por ocho años, sin saber quién iba a ser su productor. Cuando firmó le dijeron que iba a trabajar para Alfred Hitchcock.
El director declaró a una periodista: «Firmé un contrato con ella porque es una belleza clásica. Las películas ya no tienen bellezas así».
Tippi tuvo que luchar mucho para bordar el papel de protagonista. Nadie entendía que Hitchcock diese el protagonismo a una actriz principiante. La actriz recordó: «El estudio no me respaldó porque yo no tenía experiencia. La gente de la Universal dijo a Hitchcock: “Pero ¿qué estás haciendo?”, “¿Estás loco?”. Sin embargo, él les contestó que tenía plena confianza en mí y que me dejaría hacer el papel. Desde esa noche sentí una tremenda responsabilidad y una gran presión, y mi vida se centró en hacer todo lo posible por justificar su fe en mí. Todos los días, mientras preparábamos «Los pájaros», si Hitchcock creía que yo no hacía exactamente lo que él quería, se enfurruñaba y parecía ofendido y decepcionado».
Hitchcock se empezó a obsesionar por Tippi, volviéndose muy dominante, absorbente y posesivo. Tanto es así que incluso «no permitió a nadie que se acercara físicamente a ella durante la producción. “No toques a la chica después de que haya dicho ¡Corten!”, me dijo más de una vez, lo cual fue muy difícil porque teníamos un montón de escenas juntos», explicó Rod Taylor, protagonista junto con Tippi en «Los pájaros».
Su obsesión se volvió enfermiza; hasta el punto de que Hitchcock no permitía que Tippi se fuese a su casa en un taxi compartido con gente del rodaje. «Yo no debía ir en el mismo coche que ella, como si fuera a mancillar a su diosa. Hitchcock la rodeó con un muro e intentó aislarla de los demás para que pasara todo el tiempo con él», expresó Taylor.
Tanto era así que el director desaprobaba a la gente que aparecía en la vida de Tippi, prohibió que su hija Melanie fuese al estudio a verla, y cuando salía con sus amigos, la seguían y la espiaban para luego dar parte de lo que hacía a Hitchcock.
«Hitchcock estaba obsesionándose conmigo, y yo empecé a sentirme muy incómoda porque no tenía forma de controlarlo. Debía ir con mucho cuidado y ser muy prudente. Intentaba controlarlo todo, desde lo que me ponía, hasta lo que comía y bebía», recordó Tippi.
Hitchcock se aprovechó de la situación y abusó de su poder, ya que era una época en la que no existía la posibilidad de poner una denuncia por acoso. A Tippi sólo le quedaba aguantar: «Yo no podía renunciar y romper mi contrato: habría habido una demanda judicial; además, era una simple madre soltera con una hija de la que cuidar. Me habrían puesto en la lista negra y no habría vuelto a encontrar trabajo, de modo que tuve que aguantarme», confesó la actriz.
Las rubias musas de Alfred Hitchcock
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Tippi en la escena final
Pero a Tippi aún le quedaba por grabar la escena final. Desde un principio le dijeron que los pájaros que iban a abordarla iban a ser mecánicos, pero cuando fue al estudio a rodar la última secuencia, vio que la habían traicionado, y que el director y el equipo habían tenido siempre otra intención. Tippi se sometió a que la tirasen sobre ella una multitud de aves de todo tipo, gaviotas, palomas, cuervos... que cubrieron de excremento todo el plato, incluso a la actriz.
Cuando casi habían terminado de grabar, la situación alcanzó un punto crítico. «Uno de los pájaros que estaba atado a mí, saltó de mi hombro a mi cara y me arañó el párpado inferior», expresó Tippi.
La actriz entró en shock clínico. Los médicos pidieron que guardase reposo absoluto durante mínimo dos semanas, pero Hitchcock protestó al doctor: «¡Pero no podemos seguir sin ella!, ¡la necesitamos para las últimas tomas!». El médico le contestó: «¿Está usted loco?, ¿acaso quiere matarla?».
Tippi grabó, en otoño de ese mismo año (1963), como actriz protagonista «Marnie la ladrona». Tuvo que aceptar el papel por defecto, después de que Hitchcock no logró convencer a Grace Kelly para regresar a la gran pantalla.

Hitchcock no logró ningún Oscar

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Alfred Hitchcock
Alfred Hitchcock sintió el desprecio de la industria cinematográfica estadounidense, ya que estuvo nominado en cinco ocasiones al Oscar al mejor director por «Rebeca», «Naúfragos», «Recuerda», «La ventana indiscreta» y «Psicosis», pero nunca obtuvo la estatuilla.
Hasta el final de su carrera cinematográfica no recibió ningún premio como director. En 1968 en la ceremonia de la Academia, recibió el Irving Thalberg, que premia a personajes significativos en el mundo de la producción cinematográfica. Cuando Hitchcock subió a recogerlo, cabizbajo y serio en todo momento, llegó al micrófono y, aunque algunos esperaban un ingenioso e irónico discurso, el director sólo se limitó a decir «gracias».
Alfred Hitchcock no recibió ni un Oscar, ni tan siquiera el honorífico. Aunque él mostraba indiferencia por ello, en privado y en lo más íntimo mostró su amargura. A sus pocos amigos se refería al premio como una «eterna dama de honor, jamás novia». Sin embargo, en público mostró su impasibilidad ante el Oscar cuando decía: «¿Para qué quiero otro sujetapuertas?».
En 1971 recibió un BAFTA como reconocimiento de la Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión a toda su carrera profesional como director; y en 1972, en honor a su trayectoria profesional, recibió el Premio Cecil B. DeMille en la gala de los Globos de Oro en Hollywood.